Hisko Hulsing passou grande parte da última década trabalhando em títulos de grandes nomes para grandes estúdios de Hollywood. O cineasta nascido em Amsterdã dirigiu as duas temporadas de Desfeitoque ganhou o Prêmio do Júri de Annecy em 2020, dirigiu o aclamado episódio “A Dream of a Thousand Cats” da Netflix. O Homem Areiae criou as sequências animadas do documentário Kurt Cobain de Brett Morgen Montagem do Heck.
Agora, Hulsing retorna ao cinema independente com Dança do Macabroum curta de animação de quatro minutos e meio ambientado no segundo movimento da Décima Sinfonia de Dmitri Shostakovich. O filme transforma uma procissão aparentemente ordenada de soldados esqueletos, músicos angelicais e figuras religiosas em uma visão crescente de caos, morte e guerra. As suas imagens parecem históricas e contemporâneas, evocando comícios fascistas, paradas militares, iconografia religiosa e conflitos modernos, sem nunca se vincularem a uma nação específica ou a um evento histórico.
Estamos entusiasmados em lançar o trailer do filme e um novo vídeo dos bastidores (perto do final deste artigo) antes de sua estreia mundial no Festival Internacional de Cinema de Animação de Annecy, no final deste mês.
Uma década em construção
“Comecei há 11 anos, na verdade”, ele nos contou, antes da estreia do filme em Annecy. “Eu tinha uma música de Shostakovich sobre a qual sempre tive imagens e ideias muito vívidas. Então, comecei a usar essa música como base para o filme, em vez de escrever um roteiro.”
Essa abordagem não convencional moldou cada etapa da produção que se seguiu. Em vez de começar com um roteiro tradicional, Hulsing passou anos ouvindo a música e desenvolvendo imagens inspiradas em seus ritmos e mudanças emocionais, criando um storyboard altamente detalhado e animatic para apresentar aos parceiros de produção e financiadores.
“Os storyboards eram tão detalhados que eram quase layouts das pinturas”, lembrou, que pode ser conferido no animatic, link abaixo.
“Todos os dias eu ouvia a música, criava imagens inspiradas na música e depois desenvolvia minhas ideias para o filme”, disse ele. “O filme é muito claro agora quando você o vê, mas começou inteiramente a partir da música.”
O resultado é um filme cuja estrutura segue a composição em vez das batidas dramáticas convencionais. O filme não segue a estrutura tradicional de três atos porque o clímax musical acontece na metade da peça de quatro minutos. O desenvolvimento de uma forma tão não linear criou os seus próprios desafios.
“Eu tive uma explosão atômica”, lembrou Hulsing com uma risada. “E então, como faço para sair daí? Fiquei completamente preso por muitos meses.”
A descoberta veio, como tantos fazem, com um prazo inabalável.
“Meu produtor me ligou e disse: ‘O que você está fazendo? Temos um prazo de duas semanas.’ Então, de repente, o resto saiu. Os prazos são muito bons para isso”, riu.
Pintando uma fundação
Anos antes do início da produção, Hulsing já estava criando o mundo da Dança do Macabro em enormes pinturas a óleo que mais tarde serviriam como pano de fundo do curta. No total, ele estima criar cerca de 75 pinturas para o projeto. A escala das pinturas é evidente nos materiais de bastidores do filme, enfatizando o tremendo empreendimento que este curta-metragem exigiu antes que outros artistas e animadores colocassem as mãos nele.
“O filme tem muitas camadas e não espero que as pessoas vejam todas as camadas quando o virem pela primeira vez, mas elas estão lá”, explicou Hulsing sobre os tremendos detalhes e simbolismo que podem ser encontrados em quase todos os quadros do curta.
O filme também é literalmente em camadas, na medida em que Hulsing pintou os fundos e depois pintou os personagens, como demonstrado por várias imagens de antes e depois que ele compartilhou conosco, vistas ao longo deste artigo.
As pinturas tornaram-se a base para um processo de produção que envolveu mais de 30 artistas espalhados pela França, Hungria, Bélgica e Holanda. A produção reuniu equipes da Valk Productions, Autour de Minuit, Vivi Film e Cinemon Entertainment, com trabalhos de animação realizados em diversos estúdios.
Storyboards como roteiro
Um dos artefatos mais reveladores Dança do Macabro é o animático. É extremamente detalhado, contendo muitos dos detalhes finais do filme anos antes do início da animação.
Esse nível de especificidade era necessário porque o storyboard funcionava mais do que uma ferramenta de planejamento.
“Eu não tinha um roteiro”, disse Hulsing. “O storyboard era o roteiro.”
Os desenhos serviram a propósitos criativos e práticos. Eles permitiram que ele continuasse desenvolvendo ideias, ao mesmo tempo que ajudavam a garantir o apoio de produtores e parceiros.
“Para mim, a direção é principalmente através de storyboards”, disse ele, explicando que o trabalho de storyboard tem sido a forma como ele paga as contas e apoia seu trabalho pessoal. “A narrativa visual acontece lá.”
O processo de produção tornou-se ainda mais elaborado quando a animação começou. Em vez de depender apenas de animações e layouts, Hulsing filmou o filme inteiro em ação ao vivo como material de referência.
“Filmamos o filme inteiro em um palco de tela verde com atores e músicos”, disse ele. “Então eu editei. Parece horrível porque é uma tela verde, mas já se move com fluidez.”
A filmagem nunca foi planejada para uso direto no filme final. Dança do Macabro não possui rotoscopia. Em vez disso, serviu como referência de desempenho para a equipe multinacional de animadores.
Os músicos receberam atenção especial, com Hulsing até escalando intérpretes capazes de tocar com precisão os instrumentos mostrados na tela, incluindo seu filho, Dario Hulsing, no violino.
“Eu queria ser muito respeitoso com a música”, disse ele. “Se você vir violinistas no filme, eu queria que as posições e os movimentos dos dedos estivessem corretos.”
Marcha rumo à catástrofe
A imagem de Dança do Macabro é monumental em escala e repetição. Infinitas formações de esqueletos avançam pelas paisagens enquanto multidões se estendem em direção ao horizonte. A necessidade de imagens tão avassaladoras veio, assim como a narrativa do filme, da interpretação que Hulsing fez da música de Shostakovich.
“Começa como uma marcha muito bem organizada”, disse ele. “Uma marcha em direção à luz. E, claro, desce para o caos completo.”
Ele atribui grande parte da base emocional do filme às experiências documentadas de Shostakovich vivendo e compondo na Rússia Soviética sob Joseph Stalin.
“Muitas pessoas pensam que a peça é um retrato horrível de Stalin”, disse Hulsing. “Quando ouvi isso, pensei, bem, é claramente sobre terror e guerra e pânico e caos e histeria e morte.”
Embora a Rússia stalinista tenha sido a principal influência no trabalho de Hulsing, o filme evita intencionalmente identificar quaisquer soldados ou sistemas políticos. Não há foices e martelos, nem suásticas, e a geografia lembra sem ser exata.
“Eu queria que fosse inespecífico”, explicou ele. “Poderia ser qualquer país.”
Essa universalidade tornou-se cada vez mais relevante à medida que os acontecimentos mundiais evoluíram durante o longo desenvolvimento do filme.
“Quando comecei o filme, já vi uma ressurreição do fascismo na Rússia”, disse Hulsing, observando que o momento da produção e a invasão da Ucrânia pela Rússia não são inteiramente coincidências. “Agora está em todo lugar.”
O projeto foi originalmente intitulado Ressurreiçãouma referência ao que Hulsing viu como o retorno recorrente do autoritarismo ao longo da história. O título acabou sendo alterado durante o desenvolvimento, embora a preocupação subjacente permaneça incorporada em suas imagens.
Acertando o visual
Como afirmado anteriormente, Hulsing nunca ficou completamente satisfeito com a forma como seu trabalho foi traduzido em animação; as ferramentas ainda não existiam para criar uma recriação idêntica de seu trabalho inanimado. Ele diz que se aproximou dos dois Desfeito e seu episódio especial animado da Netflix O Homem Areiamas perto não foi bom o suficiente para este curta.
Então, em Dança do Macabrocada quadro foi animado e sobreposto às pinturas a óleo que ele produziu, combinando técnicas 2D e CG.
“Cada quadro que as pessoas veem está sendo animado por animadores”, disse ele. “Não apenas por animadores 3D. Eu mesmo fiz muitas animações em 2D.”
Para chegar ao visual final, a produção utilizou um conjunto de ferramentas digitais treinadas na arte de Hulsing. A ideia original era usar mapeamento de projeção, mas Hulsing diz que isso criou uma aparência quase de videogame que não combinava com o tom do filme ou com a estética que ele buscava.
Em vez disso, todas as suas pinturas a óleo, tanto de fundo quanto de personagens, foram inseridas em um conjunto de ferramentas que criaram um conjunto personalizado de shaders que espelhavam os originais. Esse filtro foi então utilizado para retocar a animação finalizada dos personagens, criando maior fidelidade visual entre a animação e as pinturas a óleo. Mesmo depois de meses de programação, os resultados ainda exigiam mão humana pesada para serem polidos. Depois que os shaders foram aplicados, Hulsing passou por quase todos os quadros do curta e os retocou, resultando em uma aparência que lembra uma pintura a óleo em movimento, em vez de uma cinemática de videogame.
“Era uma maneira muito precisa de trabalhar”, disse ele. “Continuamos programando e programando ao longo de dois anos até termos algo que se parecia com minhas pinturas.”
Hulsing descreve o processo como exaustivo, mas que o deixou mais perto do que nunca de um visual que ele persegue há anos.
O público de Annecy terá em breve a primeira oportunidade de experimentar o resultado na íntegra. Por enquanto, o novo trailer terá que ser suficiente.