Esqueça as paradas – os críticos dizem que essas foram as cinco carreiras solo de maior sucesso dos anos 70

Com a década de 1970 no nosso espelho retrovisor, certos artistas a solo são destaques óbvios, não necessariamente pela forma como se destacaram naquela época, mas pela forma como a sua música ainda é relevante, como permaneceu influente e pela forma como esses músicos inovaram a arte musical. Há muitas razões pelas quais os artistas podem ser apreciados pela crítica, mesmo que não tenham tido todos os sucessos número 1 – não que eles não possam ter isso também; alguns o fizeram – mas esse não é o único critério que consideramos uma marca de sucesso à medida que nos aprofundamos em alguns dos artistas solo mais aclamados pela crítica dos anos 70.

Os músicos aqui dispensam apresentações, mas destacaremos suas abordagens em seu trabalho e como os resultados ajudaram a moldar a cultura pop, porque embora Captain e Tennille tenham mantido o primeiro lugar por mais tempo em 1975, esses gatos não tiveram influência real, não como Neil Young, Joni Mitchell, David Bowie, John Prine ou Marvin Gaye fizeram. O que tornou esses lendários artistas solo tão bem-sucedidos nos anos 70 foram vários álbuns altamente conceituados que conquistaram a admiração da crítica, de outros músicos e do público, muitas vezes influenciando a forma como pensamos sobre nós mesmos e o mundo ao nosso redor. Hoje, esses artistas ainda são mencionados com reverência. Os sucessos da Billboard vêm e vão, mas o poder e a influência musical são as verdadeiras marcas do sucesso.

Embora Marvin Gaye estivesse na Motown desde 1961 e fosse um hitmaker de sucesso ao longo daquela década, no início dos anos 70 ele estava pronto para ampliar suas capacidades musicais e mergulhar em composições mais pessoais e significativas. Abalado pela Guerra do Vietname e pelas questões sociais e ambientais da época, ele elaborou o seu 11º álbum, “What’s Going On”, com enorme sucesso comercial e de crítica, e a sua influência na arte como comentário social não pode ser exagerada. Outra coisa que o destacou foi que era um novo tipo de disco de um artista negro, e Gaye o escreveu e produziu, provando seu valor criativo. As músicas são intencionais e soam como uma tapeçaria perfeitamente curada quando tomadas como um todo.

Nos anos 70, Gaye lançou vários outros álbuns, incluindo o que o Rock & Roll Hall of Fame chamou de “obra-prima temperamental”, o aclamado “Let’s Get It On”, de 1973, que mergulhou mais no lado sensual de Gaye. No entanto, como observou a BBC, “‘Let’s Get It On’ é um trabalho icônico e arrebatador, mas muito ligado às dúvidas e incertezas de Gaye”, em parte porque Gaye alcançou o auge do sucesso com “What’s Going On” e era difícil saber para onde ir a partir daí. A Variety diz que “’What’s Going On’ mudou o som do R&B para sempre”, e esse tipo de influência, junto com a atemporalidade do álbum, é difícil de superar.

Em 1971, Joni Mitchell lançou seu quarto álbum seminal, “Blue”, um disco intimamente pessoal que lhe rendeu muitos elogios da crítica. Ela já era conhecida como poetisa com voz de anjo do folk-rock, mas nos anos 70, e começando com “Blue”, Mitchell começou a explorar novos caminhos com sua música, fazendo discos mais jazzísticos e experimentando seu conteúdo lírico. Em 1974, ela teve seu maior sucesso na Billboard com “Help Me”, de seu álbum “Court & Spark”. Esse single alcançou a 7ª posição, mas a produção de Mitchell nunca foi feita para o sucesso comercial, mas sim para a expressão sincera de seu ofício. Os críticos notaram, especialmente nos anos 70.

Como aponta a Pitchfork, Mitchell “segue[ed] sua musa”, e seus primeiros 10 álbuns, a maioria abrangendo a década de 1970, estavam entre os melhores lançamentos consecutivos de qualquer artista de todos os tempos: “Mitchell foi a primeira autora feminina do pop, uma inovadora de talento singular, cuja influência foi vasta, imediata… e duradoura.” A escritora do Pitchfork, Jessica Hopper, apontou em 2012 que a influência de Mitchell na moderna “indústria caseira do beijo e conta” ainda é vista em artistas como Taylor Swift e São Vicente.

Mitchell disse em 2022 que acha que embora seus álbuns tenham sido elogiados pela crítica, eles não receberam a atenção mainstream que deveriam devido à indústria musical dominada pelos homens dos anos 70, dizendo: “As pessoas pensaram que era muito íntimo… Acho que deixou as pessoas nervosas” (via BBC). No entanto, ela apreciou que as novas gerações que foram influenciadas por suas composições se sentem mais confortáveis ​​em confrontar suas emoções.

John Prine poderia ser descrito como um compositor, o tipo de artista que aqueles que entendem do ofício reconhecem como um talento autêntico. Sua história de origem musical ressalta isso. Curiosamente, ele foi relatado pela primeira vez por Roger Ebert em 1970 – sim, o crítico de cinema, que viu Prine onde ele tocava regularmente em um pequeno local em Chicago quando ele era um carteiro de 23 anos. Ele já havia escrito algumas de suas canções mais queridas, como “Angel From Montgomery” e “Your Flag Decal Won’t Get You Into Heaven Anymore”.

O lendário compositor Kris Kristofferson também tinha ouvido falar de Prine e, em 1971, foi vê-lo em Chicago, no pequeno clube onde Prine se apresentava regularmente. Kristofferson, que Prine descreveu à Billboard como sendo “mais quente do que uma pistola de dois dólares na época”, sabia que tinha ouvido algo novo e extraordinário em Prine e o colocou sob sua proteção. Mais tarde naquele ano, Prine lançou seu primeiro disco autointitulado, seguido por mais três álbuns em 1972, 1975 e 1976, e muitos mais após os anos 70.

Prine nunca foi um hitmaker mainstream, mas Terry Roland do San Diego Troubadour o descreveu em 2020, ano em que morreu, como “um viajante atemporal que relatou a experiência humana com uma simplicidade enganosa. Ele nos fez rir, chorar, pensar e sentir profundamente, e deu fôlego a cantores singulares como Bette Midler (‘Hello in There’), Bonnie Raitt (‘Angel From Montgomery’), Johnny Cash (‘Paradise’) e George Strait (‘I Just Want to Dance With You’), através do poder de suas palavras e das excentricidades únicas em sua mente. Ele era a personificação de três acordes e da verdade.”

Neil Young foi conhecido pela primeira vez como membro do Buffalo Springfield no final dos anos 60, mas seu trabalho solo nos anos 70 é frequentemente considerado seu ponto ideal. Young lançou “After the Gold Rush”, que Classic Album Sundays chamou de “talvez sua primeira verdadeira obra-prima”, em 1970, mas o álbum não teve sucesso mainstream, e a Rolling Stone inicialmente o criticou. Hoje, porém, é visto como um dos melhores da década, apresentando canções como “Southern Man” e “Only Love Can Break Your Heart”. “Harvest”, de 1972, consolidou sua reputação como um artista solo aclamado pela crítica, embora a Rolling Stone também não gostasse desse disco quando foi lançado. Enquanto isso, Guitar.com chamou o álbum de “uma obra de gênio” em 2021, o que é interessante, já que aquele meio de comunicação informou que Young disse uma vez que a forma como sua música será “vista daqui a 30 ou 40 anos” é o que mais lhe importa.

Young lançou nove álbuns solo nos anos 70, sem contar os lançamentos com a banda Crazy Horse. Oito de seus 11 sucessos na Billboard como artista solo foram daquela década, com “Heart of Gold” alcançando o primeiro lugar em 1972. Sua próxima música mais bem colocada foi aos 31 anos. A partir daí, Young cultivou um trabalho único que explorou os lugares mais sombrios e ainda voltou ao rock com músicas como “Like a Hurricane”, de 1977.

Susan Lacy, criadora vencedora do Emmy e produtora executiva de “American Masters”, elogiou-o, dizendo: “Não há como negar que Neil Young é a realeza do rock mais intransigente da música. Ele é um poeta irreverente com um coração de rock and roll. Sua música incorpora o arco da experiência americana, desafia pontos de vista autorizados, desafia a classificação da indústria e continua a ter um impacto sobre músicos e fãs em todo o mundo” (via PBS).

David Bowie era um tipo de músico diferente dos outros nesta lista, pois sua arte ia além da composição musical para incluir uma forte ênfase na performance no palco e ultrapassar os limites da identidade convencional. Bowie foi prolífico nos anos 70, lançando 11 álbuns de estúdio, incluindo “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars”, “Aladdin Sane” e o que ficou conhecido como sua Trilogia de Berlim, “Low”, “Heroes” e “Lodger”.

Enquanto os outros artistas desta lista estavam muito envolvidos na época em que vivenciavam a vida, Bowie olhava para frente e imaginava o que poderia ser. Seu destemor em nome da experimentação rendeu-lhe um público de fãs e críticos que estavam sempre curiosos sobre o que ele faria a seguir. A Time escreveu: “Os anos 70 continuam sendo a era mais visionária de Bowie, a época em que ele se estabeleceu como o Nostradamus do pop moderno” pela maneira como ele parecia estar à frente das tendências futuras em identidade e pela maneira como selecionamos nossas autoimagens para o mundo de hoje por meio de coisas como a mídia social.

Quanto à sua música, tinha qualidades semelhantes. Robert Hilburn escreveu para o Rock & Roll Hall of Fame: “Bowie produziu algumas das músicas mais investigativas e comoventes da era pop moderna. Escrevendo sobre os monstros assustadores em sua própria vida em uma sociedade que estava reexaminando seus valores, Bowie prenunciou quase todas as tendências importantes do pop – desde a confusão de gênero da era do brilho até a alienação profunda do rock dos anos 90.”